Dunkerque

Me atrevo nuevamente con una película de actualidad que como viene siendo habitual genera tantos defensores como detractores, "Dunkerque".

Dirigida por uno de mis directores favoritos, Christopher Nolan, el film narra uno de los episodios importantes durante la Segunda Guerra Mundial, la retirada de las tropas aliadas de la playa de Dunkerque al verse acorraladas por las fuerzas nazis durante la invasión de Francia. Está basada en la novela de Joshua Levine, de mismo nombre.


La película está generando un aluvión de críticas por parte principalmente de los franceses debido a la imagen que de ellos se ofrece. En general Nolan da una versión algo diferente a lo que oficialmente ha quedado para la historia. No seré yo quien vaya a valorar su interpretación de la misma, pero sirva como salvedad lo siguiente. El director británico nunca hace aproximaciones someras, el resultado de su trabajo suele ser consecuencia de un estudio previo, detallado y concienzudo. Además nunca deberíamos olvidar aquello de que la historia la escriben los vencedores.

Yo me centraré en las características cinematográficas de la cinta. Comenzaré diciendo que no es una de las mejores películas de Nolan y, para mi desilusión, además se desvía ligeramente de las temáticas tan innovadoras que venían siendo habituales en su filmografía más reciente (Origen, Interstellar) volviendo esta vez a senderos más terrenales.

A pesar de ello esta obra cumple las expectativas, especialmente para los fans del británico director. Su mayor valor: el aspecto visual sin ningún genero de duda. Para muestra un botón. Es todo un lujo poder contemplar a día de hoy una batalla aérea del año 40 con un realismo casi perfecto y con numerosas tomas en cámara subjetiva. La fotografía, la iluminación y la puesta en escena recrean de maravilla esas famosas persecuciones entre los cazas británicos, Spitfire, y los Stuka alemanes, y el cómo estos últimos hacían sonar su sirena mientras bombardeaban... Todo un regalo para los ojos. Grandísimo trabajo del director de fotografía Hoyte Van Hoytema, quien ya había colaborado con el director en Interstellar.

La belleza visual de la cinta domina desde el primer minuto, desde las imágenes tomadas de la playa de Dunkerque, pasando por las batallas aéreas antes comentadas, o todos y cada uno de los episodios navales que se nos muestran a lo largo de los apenas 100 minutos que dura la película; por cierto otro detalle que yo personalmente agradezco. Siempre he dicho que todo lo que quieras contar lo puedes hacer en 90-100 minutos. El resto es gula.

Además la nitidez y calidad del sonido son de tal nivel que consiguen envolverte tanto con las simples pisadas de un solitario soldado al inicio, como con los frecuentes bombardeos a lo largo de todo el metraje. Richard King, fiel escudero de Nolan, es el responsable de ello.

Vayamos ahora a la parte negativa. A mí personalmente me ha faltado una mayor calidad interpretativa en alguno de los protagonistas. Suficientes actores de talla hay en el reparto como para haber dejado alguna impronta en este sentido. Tom Hardy en su papel de piloto, Mark Rylance como dueño del barco pesquero, el comandante Bolton interpretado por Kenneth Branagh, o Cillian Murphy ejerciendo de soldado francés trastornado, ninguno consigue impactar lo que cabría esperar de ellos. Desconozco si ha sido una premisa del director, o es que no han sabido dotarles de las escenas idóneas para mostrar su talento interpretativo.

Dicho esto, hay dos valores más que considero importantes en la cinta. Uno de ellos el drama humano con que Nolan reviste la trama. Impone ver a una cantidad ingente de soldados aliados, en un espigón, "haciendo cola" a la espera de cualquier embarcación que pueda recogerles.

En esta misma línea la participación de barcos pesqueros británicos en el rescate de los soldados toma fuerte relevancia en "Dunkerque", posiblemente mucho más de lo que la historia oficial haya dejado escrita en los libros.

El otro aspecto que quería destacar es la estructura narrativa de Nolan. Su facilidad para contar diferentes historias paralelas es asombrosa. Hilos narrativos que aparentemente no tienen relación alguna y que terminan confluyendo en un final que le da todo el sentido. Tarea harto difícil ésta que Nolan vuelve a superar con creces, y con la dificultad añadida de hacerlo sin apenas diálogos, haciendo buena aquella teoría del Maestro Hitchcock quien afirmaba que los diálogos son innecesarios si visualmente eres capaz de transmitir el mensaje.

En resumen una muy buena película que se ha ganado el derecho de pagar su entrada por verla en el cine, porque eso sí, recomiendo altamente visualizarla en pantalla grande para poder admirar semejante espectáculo visual y sonoro. Todo esto siempre revestido de la música del genial Hans Zimmer, lo que consigue envolver al espectador durante 100 minutos en un continúo clímax de tensión epico-dramática.

Para los amantes del turismo cinematográfico, os dejo un mapa de la zona de la batalla histórica para que os ubiquéis y, cómo no, una selección de 4 alojamientos que tenéis en primera línea de la famosa playa de Dunkerque por si queréis estar cerca de lo que fue el corazón en cierto momento de la historia.

Le transat bleu

Hotel Eole

L'escale

Malo-les-bains-beach

Tiburón

Este verano se cumple el 40 aniversario de una de las joyas que nos dejó Spielberg para la historia de Hollywood, la mítica Tiburón (Jaws, 1975). Todos los de mi generación hemos crecido con esta película. La vimos cuando éramos unos niños o adolescentes y nos quedará para siempre en el recuerdo.

Tiburón (Spielberg, 1975)

Película que comprende tres géneros, aventuras, suspense, y terror, y que cautivó en su estreno hasta límites insospechados. Al igual que pasó con Psicosis de Hitchcock, en el que las mujeres le cogieron pánico a la ducha, en el caso de Tiburón los bañistas, a partir de ese día, se lo piensan dos veces a la hora de meterse en el agua.

No debemos olvidar que está basada en una novela de Peter Benchley

Jaws (1974) 

la cual se inspiró en unos hechos reales ocurridos en las costas de New Jersey en 1916 en los que cuatro personas murieron debido a ataques de tiburones. Os dejo una breve reseña por si queréis profundizar en ese caso.

Caso real ataque tiburones New Jersey

La novela de Benchley tuvo gran éxito y la película aún más, pero esta última bien habría podido terminar siendo un fracaso. La perseverancia de Spielberg fue clave para sobreponerse a todos los contratiempos que supuso el rodaje. Su perfeccionismo junto con la ingenuidad de su juventud hicieron peligrar muy seriamente el éxito de esta obra. Se empeñó en rodar las escenas en el mar. Seguro que hoy en día no volvería a hacerlo. La grabación en el mar, como bien se explica en el "making of", no fue nada productiva. Un día de rodaje igual daba para unos pocos segundos de cinta. Todo en alta mar está en movimiento y no tienes control de lo que pueda suceder; sin olvidar el desgaste que produce el agua marina en las superficies, tejidos o aparatos. Os dejo un fragmento donde Richard Dreyfuss (parte del trío protagonista) explica muy cómicamente en una entrevista los problemas referidos.

Otro ejemplo de autoexigencia del director fue querer incluir escenas con tiburones reales. Pues sí, aunque cueste de creer las hay! De todos es sabido que para la película se hizo construir un tiburón mecánico, pero pocos saben que la escena del ataque a la jaula de Hooper está compuesta de algunos fotogramas de una filmación real hecha en Australia. El montaje final nos dejó este espectacular fragmento, prestad atención:

Y para que lo comparéis, os dejo un extracto de una entrevista muy interesante a Ron y Valerie Taylor, precisamente los australianos encargados de las filmaciones reales a las que antes me refería. Aquí podréis ver el vídeo que pudieron grabar, mientras explican de qué manera se pudo aprovechar para la película. No os perdáis el final. Espectaculares imágenes. A veces el azar le da a uno lo que lleva tiempo esperando.

Más allá de frases míticas como la que improvisó Roy Scheider "necesitará un barco más grande" (frase que ha calado en la jerga popular para referirse a un problema muy serio) o el famoso y persistente grito de Quint : "Hooooopeeeeer!!!", creo que lo que encumbró a esta cinta fue su puesta en escena, su montaje, y el ya referido perfeccionismo de Spielberg. Quién podía imaginarse en el año 1975 que alguien estrenaría una película sobre un tiburón! Y que encima te iba a mostrar escenas espectaculares de un enorme realismo para esa época!!  Aquí tenéis uno de los momentos más aterradores y sobrecogedores, cuando Quint es engullido por el depredador:

Como punto negativo diré que a pesar de que el trío protagonista le da algo de pimienta a la trama no parece que sean ellos quienes realmente brillen en esta película. Tres actores dando vida a tres personajes muy diferentes, Roy Scheider como policía, Richard Dreyfuss como científico y Robert Shaw como cazarrecompensas. Se establecen situaciones de contrapunto y algunos momentos de complicidad con el espectador, cierto es, pero cada vez que reviso la cinta siempre tengo la sensación de que en el fondo son tres secundarios a la sombra del auténtico protagonista que no es otro que el depredador marino y el terror que desprende. O dicho de otro de modo, siempre me pregunto de qué forma hubiera cambiado el éxito de la película si en lugar de estos tres actores hubieran sido otros... Tengo la sensación de que en nada, aunque esto es una opinión muy personal, por supuesto.

Pero para ser justos debo hacer una una salvedad con algunos momentos estelares de Robert Shaw. Su interpretación seguramente destaca por encima de la de los otros dos protagonistas, haciendo ese papel de hombre rudo, "lobo de mar", buscando su recompensa, no sólo monetaria sino también a modo de venganza, como así se atisba en esta genial escena donde él mismo se preparó el discurso y dejó boquiabierto al resto, Spielberg incluído. Una muestra evidente de su bagaje teatral:

El rodaje, como ya comenté, resultó extremadamente complicado y todo el equipo llegó al borde de la desesperación. Para colmo el famoso tiburón mecánico no terminaba de funcionar. Se hundía! Sin más. Dreyfuss da fe de ello:

Todo eran problemas, y los productores comenzaban a presionar a Spielberg preguntando para cuándo terminaría el rodaje. Tras más de 5 meses consiguió finalizarlo. Gracias a su perseverancia fue sorteando todos los obstáculos. Os pongo un ejemplo que acabó siendo decisivo: lo de los 3 barriles de oxígeno fue en realidad una solución para evitar que el tiburón se hundiera!

Y finalmente lo consiguieron, Dreyfuss vuelve a dar fe:

Si la obstinación del director fue una de las claves del éxito de Jaws, no lo fue menos el montaje. Se mezclaron las escenas reales de tiburones en Australia, con las escenas del tiburón mecánico en el mar (en la isla Martha's Vineyard) y se remató con otras filmadas en un estanque en los estudios de la MGM. Todo un trabajazo.

Y cómo no! nos queda hablar de la parte musical. Qué decir de esa banda sonora, del gran John Williams, 

 que nos ha dejado ya para la posteridad esos compases asociados al movimiento del escualo. Cuántas veces hicimos el "tonto" de pequeño en la playa simulando una aleta de tiburón con la mano mientras canturreábamos la musiquita, verdad? y las que seguiremos haciéndolo! :-). Os dejo un vídeo del "culpable" en plena faena. Una joya documental!:

Esa melodía, "Les dents de la mer", que se mete en el cuerpo de uno mientras visionas la cinta es realmente cautivadora. No te deja indiferente. En cuanto oyes esos compases sabes que de un momento a otro aparecerá ese terrible depredador para lanzar su ataque. Aquí es dónde interviene el elemento suspense. Spielberg tenía claro que cuanto menos se viese al escualo más inquietud iba a generar en el espectador. No hace falta enseñar, con insinuar basta, y la simple aparición de la melodía de John Williams es la forma de hacerlo. Para muestra un botón, la película tiene una duración de 2 horas y el tiburón no aparece por primera vez hasta el minuto 80, justo en este fotograma:

Pero como dije al principio, el suspense y el terror no son los únicos géneros que abarca este filme. El tercero serían las aventuras. Y es que Tiburón no deja de ser una película de aventuras. Unas aventuras en el mar, en este caso, que tratan de la lucha del bien versus el mal, el hombre contra el diablo. Aquí el diablo está encarnado por ese gran tiburón blanco. Algo similar a lo que ya había hecho Spielberg en su primera obra, "Duel (1971)", traducida en España como "El Diablo sobre ruedas". Un magnífico estreno el suyo, en el que sin apenas diálogos y con muy pocos recursos consigue crear un clima de suspense en medio de otro duelo entre el Bien y el Mal, donde el diablo en ese caso tenía forma de camión.

Spielberg explicó que vio una similitud entre ambos filmes. En este caso se trataría de una continuación de la lucha Hombre vs Leviatán, pero en alta mar. Incluso reparó en la coincidencia de que ambos títulos tenían 4 letras (Duel, Jaws).

Tiburón no deja de ser un guiño también a la mítica Moby Dick (1956), un largometraje de aventuras con un duelo entre hombre y ballena. Quint viene a ser lo que es el Capitán Ahab en esa cinta, y el ansia de venganza es un elemento común de ambos personajes. Spielberg quiso homenajear a dicho filme incorporando una escena del mismo pero Gregory Peck, a quien pertenecían los derechos, se opuso pues, curiosamente, él nunca se sintió orgulloso de esa película.

Resumiendo podemos decir que hace 40 años Steven Spielberg, en su tercera película y con apenas 29 años, se emprendió en una aventura realmente muy arriesgada pero de la que finalmente supo salir airoso y con muy buena nota, dejándonos esta obra maestra.

Personalmente quería hacerle un homenaje por este 40 aniversario, y de ahí este post, dedicado a ella. Pasarán 40 años más, y seguro que seguiremos disfrutándola. Como digo yo siempre, Tiburón rima con "peliculón", qué casualidad!! :-)

Para los fieles amantes de esta obra maestra que quieran hacer turismo cinematográfico, os dejo un mapa de ubicación de Martha`s Vineyard, localizada en el nordeste de los Estados Unidos, cerca de Rhode Island. En él encontraréis las localizaciones de algunas de las escenas más importantes junto con una selección de alojamientos.



Los tres primeros hoteles están cercanos a la zona portuaria, mientras que el último lo encontraréis próximo a la casa de Brody:

Kelley House Hotel

Harbor View Hotel & Resort

Ashley Inn

Mansion House Inn

Mucho ojo este veranito cuando os bañéis en la playa, eh? Y si no lo veis claro... haced como Quint y, seáis caballeros o damas españolas... largaos de ahí, ;-)

Acorralado

Hoy quiero dedicar mi blog a una película, a día de hoy poco reconocida, con la que crecimos todos los de nuestra generación y se convirtió en parte de nuestros recuerdos inolvidables: me refiero a Acorralado, donde se dio a conocer Sylvester Stallone interpretando el papel de un ex-combatiente de la guerra del Vietnam, John Rambo.

La película, dirigida por Ted Kotcheff en el año 1982, está basada en una novela de David Morrell, titulada First Blood, y fue realizada con un bajo presupuesto, pero sin embargo fue todo un éxito por aquel entonces, principalmente por el impacto que generaron las escenas de acción rodadas en el bosque e interpretadas por Stallone, con las cuales todos los jóvenes del momento nos quedamos impresionados.

Me gustaría romper una lanza en favor de este filme pues con el paso del tiempo parece que la opinión generalizada que ha ido quedando es la de una simple cinta de acción, algo exagerada, que sirvió de mero entretenimiento a la juventud del momento, y de poca calidad cinematográfica.

Acorralado (Ted Kotcheff, 1982)

Pues bien, como dije antes, el metraje se basó en la novela de David Morrell, la cual al parecer (no la he leído) había sido muy bien considerada, y Kotcheff la adaptó, ciertamente, incrementando su espectacularidad. Pero más allá de ser una simple película de aventuras, se trata de una dura y clara crítica al gobierno norteamericano; mensaje que siempre ha quedado algo (o bastante) tapado para la opinión popular.

First Blood (David Morrell)

La cinta tiene 3 partes claramente identificadas. En la primera se presentan los personajes y la provocación por parte del sheriff, interpretado fabulosamente por uno de los mejores secundarios de Hollywood, Brian Dennehy. Si bien no se profundiza tanto en los personajes como sí parece hace la novela, los recuerdos que vienen a la mente del ex-boina verde mientras se ceban con él los policías ya dejan entrever claramente el problema psíquico que arrastra nuestro protagonista.

La segunda parte de la película es aquella que nos deslumbró a todos los jovenzuelos viendo como Rambo se refugiaba en el bosque, y con ello, se iniciaba una "guerra que los policías no podían ganar". Escenas muy originales, donde Stallone exhibe dotes de camuflaje, caza, tácticas de defensa, y técnicas de supervivencia.  Sin ningún lugar a dudas esta parte central es la que ha quedado en la retina de todos nosotros.

Antes de la última parte se introduce el personaje del Coronel Trautman (Richard Crenna) padre de esa "máquina de matar, llamada Rambo", advirtiendo a la autoridades de con quién se han topado y colaborando al final con ellos en pos de la rendición de su pupilo.

Escena presentación Coronel Trautman

En el tramo final el ex-militar consigue escapar de la mina en la que le habían dado por muerto, y vuelve al pueblo para cumplir su venganza. Es entonces cuando siembra el pánico llegando a un encuentro final con el sheriff al que termina perdonándole la vida en el momento justo que aparece su único nexo afectivo, el Coronel Trautman. Es ahí cuando se llega al desenlace de la película, con esa mítica escena (tan parodiada) donde Rambo se derrumba y hace todo un alegato en contra del gobierno con grandes dosis de dramatismo.

Es éste el mensaje real de la película, donde resume claramente lo que le ocurrió a tantos y tantos jóvenes de los Estados Unidos a los que el gobierno les envió a esa guerra del Vietnam. Jóvenes que con una edad media de 19 años tuvieron que dar la cara por su querido país. Muchos de ellos ni volvieron, otros volvieron enfermos, física y/o mentalmente, debido a las vivencias, torturas, o armas químicas que tuvieron que sufrir. Esto queda muy bien reflejado en la película. En definitiva una guerra que fue todo un fiasco para los americanos ya que tuvieron que retirarse tras más de 46.000 bajas.

Para colmo muchos de los que regresaron se encontraron con que su propio país les daba la espalda, los tildaba de "tarados mentales" y se despreocupó de reinsertarlos. La gran frase de la escena de final de Rambo lo resume perfectamente "Allí manejaba aviones, conducía tanques, tenia a mi cargo millones de dólares en equipo, aquí ni siquera me dan trabajo de lavacoches!"

En resumen, no estamos ante una obra maestra, claro está, pero sí es mucho más que ese poso de cinta mediocre que parece haber quedado. Largometraje capaz de enviar una crítica directa al gobierno tan sólo 7 años después del final de la guerra, combinándolo con unas escenas de acción memorables, rodeándolo de una banda sonora espectacular a cargo de Jerry Goldsmith, y rematándolo con unas frases míticas que han quedado para la historia.

Os dejo el fabuloso tema del final "It's a long road"

Para los fans de esta famoso filme, que me consta que sois muchos, os dejo información sobre las localizaciones de la película, que por cierto se rodó en Canadá. La ciudad donde transcurre buena parte de la cinta es Hope, pero además se escogieron fabulosos parajes para las escenas de acción también en territorio canadiense. Os dejo un vídeo-montaje muy interesante:

También os paso el enlace a una página que he encontrado, con muchísima información sobre todo lo referente al rodaje, localizaciones, fotos del momento, etc... Sin duda su autor debe ser un seguidor acérrimo de Acorralado, pues está haciendo una labor muy minuciosa: http://www.firstbloodfilminglocations.com/

Y para los amantes del turismo cinematográfico os he preparado un mapa donde he recogido las localizaciones principales junto con algunos alojamientos recomendables . Como veréis todos los puntos estratégicos se podrían agrupar en dos términos, los de Hope y Coquitlam, por lo que he seleccionado 5 alojamientos, 2 en cada una de estas dos zonas y otro más que os pilla a medio camino de ambas, en Pitt Meadows.

Un detalle algo nostálgico: el famoso puente de madera que aparece al principio de la película, donde Rambo desafía las impertinencias del sheriff, se trata del puente de Kawkawa, pero hace pocos años se derribó muy a pesar de las múltiples quejas y trabas que pusieron los fans y vecinos de la zona.

Es un mapa interactivo por lo que podéis ampliarlo, y ver con detalle qué se rodó en cada uno de los parajes. 

Alojamientos en Hope:

Hope Springs Eternal B&B

Skagit Motel

Alojamientos en Coquitlam:

2602 Lincoln Ave Quiet Suite

Poco Inn and Suites

Alojamiento en Pitt Meadows

Ramada Pitt Meadows

Y para finalizar este post me gustaría hacer una reflexión sobre cómo se puede medir realmente el éxito de una película. A veces no sólo es por la recaudación en las taquillas, sino que el legado que dejan tiene mucha importancia. En este caso es evidente que este filme creó un personaje, el de Rambo, que consiguió traspasar épocas y fronteras, quedándose para siempre en el imaginario colectivo.

Más allá de recaudaciones, secuelas, o presecuelas, esta película creó a Rambo, y éste se quedó en la mente de todos nosotros para siempre; ése es el auténtico éxito de Acorralado. Y cuando pasa esto se desarrolla a posteriori una gran cantidad de seguidores, fans, y cómo no, productos de merchandising variopintos. Para muestra un botón, os dejo un par de tazas que seguro que alguno ya la tiene en su casa;

Mod Rambo

Mod. Rambo bosque

Ah por cierto, desde aquí también quiero aclarar que Rambo jamás dijo "no siento las piernas". ;-)